lunes, 18 de mayo de 2009

Recesion: Retrato de Giacometti

Este libro es un diario, que relata, a lo largo de 18 sesiones, como Alberto Giacometti retrata a James Lord, el autor del libro. Durante estas sesiones, el autor fue apuntando los pensamientos y comentarios del artista, así como los avances y retrocesos que el cuadro sufría. Giacometti afirmaba que nunca se puede acabar un cuadro, era admirador de Cézanne, éste pensaba que "cuánto más se trabaja un cuadro, más difícil resulta acabarlo", esta idea ronda siempre en la cabeza de Giacometti, que es muy pesimista respecto a sus cuadros.
Hacía y deshacía continuamente la cabeza del retrato y se repetía que debería abandonar la pintura para desdicarse únicamente a la escultura, la cual no abandona en ningún momento, en cualquier rato libre que tiene Alberto entre sesión y sesión dedica un poco de tiempo a arreglar o modificar alguna de sus esculturas.
En mi opinión, el libro es interesante, el único elemento negativo es la actitud repetitiva de Giacometti, que siempre está con la idea de no poder acabar los cuadros y que debería dejar la pintura y el cuadro en concreto.

domingo, 10 de mayo de 2009

El espacio en la composición

Vemos que no sólo es importante cómo distribuimos los elementos dentro de la superficie del cuadro, sino que la forma y proporciones de esa superficie, también tiene su importancia y determina unas sensaciones que deben estar acordes con el tema de la obra. Así vemos que, internamente, las líneas transmiten sensaciones diferentes si son verticales, horizontales o inclinadas.

Y, de igual manera, la superficie al ser alargada en sentido vertical u horizontal transmite sensaciones diferentes, o bien si son cuadradas. Aunque la mirada del espectador siga un recorrido inconsciente general, es el artista quien con su composición, obligará al espectador a seguir el recorrido que él quiera, jugando con los ritmos creados por las líneas, masas y tonos.



Técnicas de composición

El encuadre en la composición



Cuadro y marco son términos que se utilizan indistintamente para definir los límites de la imagen. Algunos autores proponen una diferenciación básica y dejan el término cuadro para referirse a los límites del campo en el que se va a producir la imagen y marco para designar el borde de la imagen en su soporte físico, tiene que ver con la imagen objeto, con su estructura material, tangible, su equivalente en pintura sería la moldura, la madera. El marco sería, por tanto, el que define los límites de la imagen como objeto y lo que la diferencia y separa de otros objetos, mientras que el cuadro determinaría donde acaba el espacio de la imagen.

El cuadro, más que una limitación, hay que valorarlo como una cualidad que permite captar un espacio y aislarlo del resto lo que facilita la focalización de la atención del receptor en ese aspecto que se quiere resaltar. El cuadro puede presentar formas y proporciones diferentes; circulares, cuadradas, rectangulares,.. en fotografía y en cine son estas últimas las más frecuentes.

El encuadre es el primer paso en la materialización del punto de vista. Convendría diferenciar encuadre, que es la materialización dinámica del punto de vista en la que intervienen factores técnicos y fotográficos, y la acción de encuadrar que es un acto intencional, creativo, más o menos programado, dirigido por el fotógrafo.

Encuadre y composición van necesariamente unidos, y en función de estos, obtendremos distintas interpretaciones de un mismo tema. Por ello el fotógrafo ha de poner un especial énfasis, ya que dirá mucho de él y de su forma de ver las cosas.

El encuadre consiste básicamente en determinar los límites de la propia foto, pero una vez realizada esa tarea queda por decidir como queremos que aparezcan los elementos que hemos escogido, y eso es la composición. Así un mismo motivo nos podrá causar diferentes impresiones con tan solo realizar cambios en el punto de vista (elevado, centrado o a ras de suelo). Se trata en definitiva de tener el control total sobre lo que debe, y no debe, y como debe aparecer.

Sin duda, han de primar ante todo nuestras preferencias, sin dejarnos someter por modas, costumbres o reglas, pero aun así vamos a exponer algunos ejemplos que podrán ser de utilidad:

Regla de los tercios:

Posiblemente la norma más extendida es la regla de los tercios como búsqueda de un encuadre perfecto. Como su nombre indica, consiste en dividir el formato de la fotografía en tercios, dibujando dos líneas verticales y dos horizontales imaginarias, tal y como se indica en la figura siguiente.
























Elegiremos las zonas de intersección de las líneas para situar el motivo. Así mismo haremos coincidir el horizonte con la línea del tercio superior o inferior (para evitar dividir la fotografía en dos partes iguales).

Los bordes:

Los límites de la fotografía son los bordes de ésta, y en función de esos bordes podremos percibir espacio (foto 1) -bordes libres- o opresión (foto 2) -bordes enmarcados-, al igual que podemos enmarcar un motivo para añadirle fuerza o protagonismo (foto 3).

Foto 1

Foto 2

Foto 3

La perspectiva:

En la composición de una toma existe un elemento que no podemos obviar, la perspectiva, que será la encargada de dar a los objetos que estén representados profundidad. En definitiva, la perspectiva es lo que dará sensación tridimensional a nuestras fotografías, ya que éstas son el resultado de la combinación de tonalidades distribuidas únicamente en dos dimensiones, así que la sensación de tres dimensiones -alto, ancho y profundidad- es una ilusión óptica. Cuanto más plana sea la foto -falta de profundidad- menos capacidad tendrá de transmitir sensación de realidad.

La disminución de tamaño de objetos iguales o similares potencia la sensación de perspectiva, igualmente las líneas convergentes -como en la pintura- son un elemento claro de la representación de perspectiva, marcando la sensación de primer término y fondo, al alejarse las superficies horizontales y verticales para converger en un punto -que puede estar dentro o fuera de la foto-. Un claro ejemplo en el que se conjuga la disminución de tamaño (columnas y farolas) y perspectiva lineal (líneas que convergen en el centro) es la foto siguiente -da una sensación tridimensional pese a la ausencia de sombras-.

Perspectiva

Las sombras: merecen una atención especial a la hora de añadir sensación de perspectiva a la foto. Son muy agradecidas las tomas realizadas a primeras y últimas horas del día, momentos en los que las sobras se alargan, evitando así la sensación de fotos "planas".

El punto de vista::

Es un elemento que podemos utilizar para modificar la sensación e interpretación de un mismo motivo -aunque forme parte de la perspectiva-. Básicamente podemos dividir los puntos de vista en: normal -fotos realizadas a la altura de los ojos del fotógrafo-, elevado (picado) -foto hecha a mayor altura que el motivo- y bajo (contrapicado) -foto a menor altura que el motivo, un claro ejemplo sería a ras de suelo-.


Fotobásica.

La armonia y el contraste


Formas básicas que componen el color

Ningún color puede ser considerado un valor absoluto, de hecho los colores se influyen mutuamente si se acercan. Los colores tienen diferente realce según el contexto en el que se dispongan o se encuentren.

Existen dos formas compositivas del color, armonía y contraste.

Armonía del color

Armonía del color

Armonizar, significa coordinar los diferentes valores que el color adquiere en una composición. Cuando en una composición todos los colores tienen una parte común al resto de los colores componentes. Armónicas son las combinaciones en las que se utilizan modulaciones de un mismo tono, o también de diferentes tonos, pero que en su mezcla mantienen los unos parte de los mismos pigmentos de los restantes.
La mezcla de colores consiste simplemente en hallar relaciones entre los tonos. Mezclar dos colores para dar un tercero, por ejemplo, crea un puente visual entre los dos primeros. El tercer color es un tono nacido de dos colores a los que se parece. Colocar un color mezclado entre los dos colores de los que procede no sólo comporta una armoniosa distribución de los tonos, sino que crea una sorprendente ilusión de transparencia. Los dos tonos originales parecen dos hojas de acetato coloreado que se superponen para formar un tercer color.

En todas las armonías cromáticas se pueden observar tres colores: uno dominante, otro tónico y por último otro de mediación.

Dominante: Es el mas neutro y de mayor extensión, sirve para destacar los otros colores que conforman nuestra composición gráfica, especialmente al opuesto.

El tónico: Es el complementario del color de dominio, es el mas potente en color y valor, y el que se utiliza como nota de animación o audacia en cualquier elemento (alfombra, cortina , etc.)

El de mediación: Actúa como conciliador y modo de transición entre cada uno de los dos anteriores, suele tener una situación en el circulo cromático cercano a la de color tónico.

Por ejemplo: en una composición armónica cuyo color dominante sea el amarillo, y el violeta sea el tónico, el mediador puede ser el rojo si la sensación que queremos transmitir sea de calidez, o un azul si queremos que sea mas bien fría

El contraste

El contraste El Contraste se produce cuando en una composición los colores no tienen nada en común no guardan ninguna similitud.

Existen diferentes tipos de contraste:

De tono: Cuando utilizamos diversos tonos cromáticos, es el mismo color de base pero en distinto nivel de luminosidad y saturación.

Contraste de claro/oscuro o contraste de grises: El punto extremo está representado por blanco y negro, observándose la proporción de cada uno

Contraste de color: Se produce por la modulación de saturación de un tono puro con blanco, con negro, con gris, o con un color complementario).

Contraste de cantidad: Es igual los colores que utilizemos, consiste en poner mucha cantidad de un color y otra más pequeña de otro.

Contraste simultáneo: Dos elementos con el mismo color producen el mismo contraste dependiendo del color que exista en su fondo.

Contraste entre complementarios: Se colocan un color primario y otro secundario opuesto en el tríangulo de color. Para conseguir algo más armónico, se aconseja que uno de ellos sea un color puro y el otro esté modulado con blanco o con negro.

Contraste entre tonos cálidos y fríos: Es la unión de un color frío y otro cálido.




Interacciones del color
Fotonostra

La relación posiivo-negativo

Los componentes fundamentales de una composición son las formas positivas (los objetos o figuras), los espacios negativos (zonas vacías).

Formas Positivas y Negativas

Generalmente la forma se la ve como ocupante de un espacio, pero también puede ser vista como un espacio en blanco, rodeado de un espacio ocupado. Cuando ocupa el espacio se dice que es positiva. Cuando se percibe como un espacio en blanco, rodeado por un espacio ocupado es llamada negativa. En blanco y negro tendemos a considerar el espacio en blanco vacío y al negro ocupado, por lo tanto consideramos una forma negra positiva y una blanca negativa. Cuando estas se interrelacionan se vuelve mas difícil distinguir una de la otra. La forma sea positiva o negativa es mencionada comúnmente como la figura que esta sobre un fondo. Esta relación puede ser reversible.

Diseño bidemiensional.

Leyes compositivas II

La simetría queda supeditada a la relación de los elementos de la composición con relación al soporte, es decir cuando el plano es dividido visualmente en dos o más partes iguales y cada una de ellas es recíproca a la otra.



La Simetría Axial: se forma cuando el área o plano queda dividido en dos partes por medio de un eje vertical u horizontal en donde la figura de un lado se reproduce a modo de espejo en el lado contrario.



La Simetría Axial Especular: esta simetría responde a iguales características que la axial, con la diferencia que el reflejo queda desfasado con respecto al eje axial que origina la simetría.





Simetría de Rotación: partiendo de un centro la imagen principal rotará en torno a éste, sin alterar el tamaño de la forma original.



Simetría de Crecimiento: Es de crecimiento o expansión, ya que la forma crece modificando su tamaño a partir de un origen. Este tipo de simetría, se aplica mejor con figuras elaboradas preferentemente a base de línea o con alternancia tonal.




Simetría de Traslación: se dice que es una simetría de traslación, cuando la figura generadora cambia de tamaño y de ubicación dentro del plano, manteniendo una relación con la figura anterior, en su alineación sea esta sobre la horizontal o la vertical.



Recomiendo la visita a esta pagina, sobre la simetría.
Apuntes de composición del profesor Jorge A.Lobato Rivera

El ritmo

Cuando la agrupación responde a una estructura visual que tiene variaciones regulares y repetidas en cuanto a dirección, tamaño o proporción.
La vista tiene un poder de agrupación enorme, si se le presentan formas iguales o similares a una distancia igual y relativamente pequeña tenderá a formarse un ritmo y así se atraerán unos con otros. Un ritmo puede llegar a contener varias formas de composición, si se forma un ritmo aislado se tenderá a la uniformidad y monotonía pero se ganará rapidez en la lectura visual. También para darle mayor interés a la imagen se puede romper ese ritmo con un elemento contrastante que obviamente se convertirá en el centro de atención.
Otra forma de dar variedad a las formas rítmicas es por medio
de la combinación de repeticiones.

Al componer h
emos de conseguir armonizar, unir, relacionar líneas, masas y tonos, llevando la mirada del espectador por el camino que nosotros queramos y ahí es donde está el movimiento. Las masas dependiendo de su superficie y su tono tienen un peso y este debe equilibrarse en la superficie del cuadro y el cambio de formas. La dirección del trazo, de la pincelada, pueden crear un fuerte ritmo. Obsérvese en las obras de los impresionistas, especialmente Van Gogh.

El ritmo en cualquier composición se da con los elementos compositivos, todos o algunos, punto, lïnea. color, plano, textura, etc.


Hay difertentes tipos de ritmo:
Uniforme: cuando una figura se repite a intervalos regulares y conservando su tamaño se genera un ritmo uniforme.
Alterno: si se repite más de una figura.
Decreciente: cuando la figura va reduciendo sus dimensiones o el espacio entre casa módulo se crea un ritmo.
Creciente: cuando por le contrario va aumentando.

Superficies rítmicas: si una figura se repite rellenando un plano, se genera una superficie rítmica. Ciertos polígonos regulares tienen la propiedad de poder rellenar el plano por sí solos. Pueden ser, cuadrados, hexagonales, triangulares...

Escher hizo originales composiciones aprovechando estas propiedades de los polígonos:

Observa como partiendo de una red de triángulos equiláteros (en la fila inferior), los módulos de cada fila van deformándose, para, finalme
nte adoptar esa forma de aves.


En esta otra composición existen dos módulos distintos. Las aves blancas y las negras. Con ambos módulos, Escher rellenó la superficie de esta composición, fragmento de una obra titulada "Día y noche".







Se pueden encontrar ejemplos de r
itmo en la naturaleza:

En la cebra se alternan líneas blancas y negras en su pelaje , pasa lo mismo en el motivo de la piel del leopardo.





Curso ritmo y Simetría

Técnicas de composición

El agrupamiento

El agrupamiento de puntos o líneas nos permite obtener tonalidades y manchas visuales en el plano, la agrupación de elementos se puede establecer de manera regular, es decir, colocarlos de acuerdo a una estructura en cuanto a espacio, tamaño y dirección entre cada elemento y respecto del plano. Otra forma de agrupación es la irregular o arbitraria en la que la agrupación de los elementos gráficos no responden a un proyecto o línea compositiva formal, pero el resultado en la aplicación no denotará arbitrariedad.
La adecuada distribución de los elementos para poder agruparlos, inicia con el estudio de la percepción visual, en el aspecto de la organización de los elementos báscicos en el plano, y es precisamente la escuela de psicología de la Gestalt quien ha definido los principios de la organización perceptual, basándose en la
organización. Antes de entrar a este tema es prudente mencionar, que la escuela de la Gestalt fue fundada por Max Wertheimer en 1912 en Alemania.
Algunos de los principios de la Gestalt más utilizados en la agrupación de elementos gráficos son:

El principio de la
Proximidad: cuanto más cerca se hallen dos o más elementos visuales, mayor es la probabilidad de que sean vistos como agrupados.
Este principio también se aplica a la ilustración de
la derecha, en donde asociamos las líneas que están más próximas entre si que aquellas que tienen una separación mayor. En este dibujo tendemos a observar tres pares de líneas que se notas agrupadas y una línea suelta en el extremo derecho.


El principio de la Similitud: los elementos visuales que son similares tanto en tamaño, color o forma, tienden a ser vistos como relacionados o agrupados.
En el siguiente dibujo se ejemplifica este principio, donde los pequeños círculos y cuadrados se encuentran con una pequeña separación tanto en sentido vertical como horizontal con una proximidad que no permite que se unan entre sí. Sin embargo al percibir la figura vemos columnas de círculos y columnas de cuadrados alternadas, demostrándose el principio, que figuras que parecen similares son asociadas entre sí.




El principio de Continuidad: los elementos visuales que presentan un menor número de interrupciones serán agrupados en línea continua, ya sea recta o curva.
En el siguiente ejemplo donde se cruzan dos líneas curvas, tendemos a identificar con mayor claridad las líneas a-b y c-d o inclusive b-d.


El principio de Cierre: las líneas y formas incompletas, pero familiares, tienden a ser vistas más como completas, es decir cerradas, que como incompletas.
Aquí tenemos tres rectángulos cortados y una figura independiente del lado izquierdo, que aunqeu está cercana al primer rectángulo, ésta no se integra, ya que no forma una figura reconocible, como son los rectángulos.


Apuntes de la composición del profesor Jorge A. Lobato Rivera

La Tensión

La tensión compositiva puede considerarse como lo opuesto al equilibrio desde el punto de vista estructural de un diseño. Constituye la fuerza de un diseño y es lo que consigue inferir movimiento y dinamismo a una composición. Tiene como finalidad dirigir la mirada y conseguir fijar la atención del observador. La tensión se puede conseguir con la combinación de líneas y formas agudas e irregulares. Podemos utilizar distintas técnicas para provocarla, todas ellas basadas en los recursos de percepción que ponemos en marcha cuando activamos nuestros mecanismos de captación de información visual. Las principales técnicas son:

  • Técnica sugestiva: Consiste en dirigir intencionadamente, a través de otros elementos, la atención aun punto determinado. Por ejemplo, muchas líneas confluyen en un mismo punto o muchos personajes dirigen en la fotografía su atención hacia el mismo sitio.
  • Técnica rítmica: Basada en la tendencia innata del ojo humano a completar secuencias de elementos aportando parte de sus propios conocimientos previamente adquiridos y a percibir elementos semejantes como un todo tendiendo a agruparlos. Cuando contemplamos determinada secuencia de elementos (ya sean números, formas, figuras geométricas o colores), tendemos a agrupar aquellos que poseen formas semejantes.

Veamos el ejemplo (arriba): en este caso, agrupamos los elementos en filas verticales, eludiendo hacerlo en sentido horizontal cuando todos se encuentran equidistantes tanto en sentido horizontal como en el vertical.

  • Técnica mecánica: Consiste en guiar de manera imperativa la atención del observador. Puede llegar a ser menos efectivo que las técnicas anteriormente señaladas, ya que se produce coacción visual sobre el observador.
Información extraída del libro "Curso práctico de diseño gráfico ". Ediciones Génesis S.A., Madrid

El equilibrio en una composición

Cada forma o figura representanda sobre un papel se comporta como un peso, un peso visual, porque ejerce una fuerza óptica.

Los elementos de nuestra composición gráfica pueden ser imaginados como los pesos de una balanza. Una composición se encuentra en equilibrio si los pesos de los distintos elementos que la forman se compensan entre sí.

Este criterio se aplica principalmente al diseño global
, es decir, a la disposición de los elementos sobre la superfície de trabajo. Normalmente se busca este equilibrio, aunque en alguna ocasión se provoca un desequilibrio intencionado para conseguir unos resultados específicos en un diseño.

Definimos el equilibrio como una apreciación subjetiva, en la cual, los elementos de una composición no se van a desprender.La manera de medir el peso de las formas y líneas del diseño es, analizando la importancia visual de estos dentro de nuestra composición.

Existen dos tipos de equilibrio:

  • El equilibrio simétrico.
  • El equilibrio asimétrico.
Si dividimos la composición en dos extremos, el equilibrio simétrico se produce cuando encontramos igualdad de peso y tono en ambos lados de nuestra composición, y el equilibrio asimétrico se produce cuando no existe las mismas dimensiones (ya sea de tamaño, color...) en ambos lados, pero aún así existe equilibrio entre los elementos.


Esto ocurre con el estilo griego, por ejemplo el desarrollado en el diseño y construcción del Parthenon: no sólo se utiliza la fórmula de la sección áurea, sino que también se emplea el más completo equilibrio axial o simétrico. A este estilo lo denominamos clásico y comunica un total equilibrio, con una total ausencia de equivocaciones por parte del diseñador e inexistencia de factores que perturben al observador de la obra.
El equilibrio que crea la simetría es un factor importante de la forma en que evaluamos el atractivo visual de un objeto. Sin embargo, el atractivo de la simetría tiene límites; un toque de asimetría puede hacer que resulte aún más atractivo, añadiendo un toque de individualidad y singularidad. La simetría, en cierta manera, da sensación de orden y alivia la tensión; la asimetría hace lo contrario, crea agitación y tensión, pero puede conseguir que una imagen no sea monótona.

Podemos hacer otra división de equilibrio:

  • El equilibrio formal.
  • Y el equilibrio informal.

El equilibrio formal se basa en la bisimetría. Se busca un centro óptico dentro del diseño, que no tiene por qué coincidir con el centro geométrico de la composición. Una composición que siga este esquema compositivo reflejará estabilidad, calma y estatismo, pero no supone una composición muy audaz.





El factor en el equilibrio compositivo

Instituto de Artes Visuales

jueves, 7 de mayo de 2009

La sección aúrea. Aplicación en la obra de arte

En el arte griego la perfección de las formas es el fruto del culto a la proporción numérica. Detrás de la belleza se halla siempre el número. Platón y los pitagóricos elevan este trasfondo cultural a pensamiento filosófico al afirmar que la realidad es, en último término, número.
Pitágoras adivinó que existe una relación entre la longitud de las cuerdas de una lira y los acordes fundamentales de la música.
Tanto entusiasmó a Pitágoras este descubrimiento que pensó que detrás de todo lo que existe hay una Ley Matemática, una Armonía. Esta mentalidad se extendió luego a la arquitectura, a la escultura, a la filosofía...
el canon de Policleto, escultor griego del s. V a. C. En su est
atua "Doríforo" muestra que el cuerpo humano perfecto ha sido creado de tal manera que su altura es ocho veces la cabeza. Esta es una proporción conmensurable, es decir, que emplea números enteros.


La sección áurea era, para Platón, la más hermosa relación entre tres números, la más reveladora de las proporciones matemáticas. La sección áurea fue descubierta por los pitagóricos y luego fue empleada por artistas, filósofos y científicos tal que terminaron llamándola en el Renacimiento la proporción divina. La construcción geométrica de la sección áurea es sencilla:


La sección áurea tiene un curioso parecido con la sucesión de Fibonacci, llamada así por haber sido descubierta por el matemático medieval pisano Leonardo Fibonacci (1170-1240). La sucesión de Fibonacci es una sucesión de números en la que cada término es igual a la suma de los dos términos precedentes: 0, 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, y así sucesivamente.
Además, la sucesión de Fibonacci permite construir la espiral de Durero, que es una forma geométrica omnipresente en la naturaleza. Alberto Durero no fue un matemático, sino un artista alemán del Renacimiento, especialmente conocido por sus grabados. La espiral de Durero es útil para investigar las conchas de algunos moluscos, los cuernos de algunos animales, las hileras de piñones en la piña, las semillas de una flor de girasol... Tiene como característica principal el que los puntos sobre los que se traza se corresponden con rectángulos cuyos lados son dos números de la sucesión de Fibonacci.





Existen relaciones basadas en la sección áurea en algunas de las más célebres estatuas griegas como el Hermes de Praxíteles (390-330 a. C.).


También la Venus de Milo respeta la sección áurea aunque la aplica un poco más libremente:



El homo quadratus y rotundus, es decir, inserto en un cuadrado y un círculo, tal y como aparece en el famoso dibujo de Leonardo da Vinci, marca el canon o medida de la perfección humana. En este caso Leonardo se limita a resucitar la visión de la figura humana que existía ya en la antigua Grecia.







Apuntes sobre la sección aúrea

miércoles, 6 de mayo de 2009

La proporción aúrea





La relación fondo-figura



En la percepción se tiende a aislar uno o más objetos (figuras) del campo perceptual (fondo). La relación figura-fondo consiste en percibir una figura de forma o pautas bien definidas, que se distingue del fondo indeterminado y amorfo. (Relación figura-fondo).
Llaman así a aquella relación que se plantea entre las cualidades visuales de los objetos y su entorno.
Desde el punto de vista tanto visual como expresivo de una imagen, la figura, el fondo y sus relaciones configuran una presencia importante.
La figura será el elemento central donde se centra la atención ya que contrasta con el fondo y aparece bien definida y en primer plano, el fondo estará poco diferenciado, indefinido, vago.
Cada uno de nosotros construye el espacio en virtud de la decisión acerca de qué estímulos se percibirán como figura y cuáles como fondo y la interpretación que le demos, cuando se opta por cuál será el fondo, lo aleja a un segundo plano.

Relación Figura-Fondo:
La percepción de figura fondo se basa en la necesidad de separar la forma dominante (una figura que tiene un contorno definido), de la que nosotros creemos es el fondo, un ejemplo de esto es la figura que vemos a la derecha, creada por el psicólogo Danes Edgar Rubin.
Imágenes como esta tienen un ambigüedad preceptual, ya que al mismo tiempo podemos ver una copa blanca sobre un fondo negro, o bien dos perfiles negros sobre un fondo blanco. Cuando hemos definido
la figura que más nos llama la atención, el contorno de esta se percibe en frente y sobre el fondo.
La aplicación mecánica de los principios de la Gestalt, puede llegar a ser técnicamente correcta para lograr una composición con una lectura visual adecuada, pero no garantiza resultados estéticos. La curiosidad y la experimentación lleva a la búsqueda de propuestas visuales diferentes.
Rudolf Arnheim escribió “El Orden y la complejidad no pueden existir el uno sin el otro. La complejidad sin el orden produce confusión; el orden sin la complejidad, aburrimiento...”

Apuntes del profesor Jorge A.Lobato Rivera
Diccionario
Pido ayuda (blogspot)

Composición III

martes, 5 de mayo de 2009

Esquema compositivo

Los procesos de composición son pasos previos muy importantes en la realización de cualquier obra. Así pues, desde la adopción de un determinado formato hasta la colocación definitiva de las diferentes formas y elementos plásticos, se trata de ir tomando una serie de elecciones que conduzcan a un mismo fin: expresar de la mejor manera el mensaje que queramos transmitir.

El esquema compositivo es un conjunto de líneas maestras que organizan los espacios donde van a estar situados los elementos visuales. Este esquema suele estar formado por figuras geométricas (polígonos, círculos, óvalos), líneas rectas y curvas relacionadas entre sí o redes modulares simples o complejas.
Un esquema compositivo puede ser simple o compuesto, es decir, formado por la combinación de esquemas simples.

Los esquemas compositivos compuestos combinan en un mismo tema dos o más esquemas compositivos simples por lo que da a la composición mayor sensación de complejidad.
Son líneas maestras sobre el que se construyen las formas del tema elegido.

Tipos de esquemas compositivos:
Simples: simétrico, triangular, diagonal, en aspa, en cuña, en T, en L...
Compuestos: combinación de dos o más esquemas simples.

Las formas en la composición pueden ser:
Figura: forma destacada.
Fondo: Formas que acompañan a la figura.
La figura y el fondo pueden componerse de contrastados o integrados.


Distintos ejemplos de esquemas compositivos:






Apuntes de la composición
Educación plástica y visual